Fantastique/Epouvante/USA/1982/1h45
Réalisation: John Carpenter. Scénario : Bill Lancaster d’après la nouvelle de John W. Campbell. Production : Stuart Cohen, David Foster, Larry J. Franco, Wilbur Stark, Lawrence Turman. Musique : Ennio Morricone. Interprètes : Kurt Russel, Keith David, Wilford Brimley, T.K. Carter, David Clennon, Richard A. Dysart,...

« Douze hommes en proie à la chose Â». Adaptation de la nouvelle écrite par John Campbell « Who goes there Â» (« La bête d’un autre monde Â») et remake de La chose d’un autre monde réalisé par Christian Niby et Howard Hawks, The Thing est le premier grand film de studio de John Carpenter. Produit pour le compte de la Universal, ce chef d’œuvre de l’angoisse a mobilisé à l’époque une belle équipe d’artistes absolument fantastiques : des acteurs (dont un Kurt Russell impeccable, tout comme le reste du casting, le chien y compris!) au maquilleur (Rob Bottin et ses créatures cauchemardesques) en passant par le directeur photo (Dean Cundey) ou encore le compositeur (il maestro Ennio Morricone), tous ont excellés dans leurs activités. Des hommes en proie à la vision d’un des maîtres de l’épouvante.
Antarctique. Deux scientifiques norvégiens, à la poursuite d’un chien de traîneau, déboulent sur une base américaine et sont abattus par les hommes du camp. Parmi ceux-ci, McReady et le Dr Copper découvrent peu après la base norvégienne désertée et presque anéantie, ainsi qu’un cadavre à peine humain. Or, la chose qui a détruit tous les membres de cette équipe se trouve déjà parmi eux, pouvant prendre l’apparence de quiconque, et infecter tout organisme.
Après avoir mis en scène avec brio l'imperceptible et l’indescriptible (le Mal à l’état brut dans Halloween, le siège invisible dans Assaut) en travaillant presque exclusivement sur le hors champ, Big John pointe tout droit sa caméra sur l’horrible entité extra-terrestre agissant dans The Thing. Cette aberration organique et morphologique n’a en effet nullement besoin de se tapir dans l’ombre ou de surgir d’un coin du cadre pour effrayer le spectateur, son aspect terrifiant tient sa force dans sa forme inclassable et inattendue. Le mal surgit de là où on ne l’attend pas. Chez Carpenter, le mal est perfide, il se déguise. Dans The Thing, il peut prendre l’apparence de quiconque et même du plus banal des compagnons (un chien…meilleur ami de l’homme ?) pour vous surprendre à revers et ne vous laisser aucune chance. Un des nombreux moments incroyables du film évoquant parfaitement cela est cette scène hyper tendue, où MacReady, dynamite et lance-flamme en main, tient en joue Childs tandis que le docteur assisté de deux hommes tente de réanimer Norris, victime d’une crise cardiaque. Un homme saisit discrètement un scalpel et s’apprête à attaquer MacReady…que va-t-il se passer ? McReady va-t-il pouvoir tenir à distance les autres ? Clark va-t-il tuer MacReady ? Personne ne se doute que l’horreur viendra en fait de la table d’opération où Norris va se transformer lors d’un effet littéralement estomaquant. De la tension et des effets de ce genre, il y en a des tas dans ce film magistral, la séquence du test sanguin étant la plus souvent citée.

A l’intérieur, on croirait être en sécurité puisque dehors, le climat est hostile et le froid mortel (la neige, source de peur et d’inconnu, est ici impeccablement mise en scène comme un personnage à part entière). Mais « la chose Â» va venir troubler cet havre de paix et de sécurité. L’occasion est alors trop belle pour Carpenter qui va filmer de la plus belle des manières l’isolement et balader sa caméra dans les couloirs de la base lors de plans séquences maîtrisés et diablement inquiétants. L’artiste utilise et place sa caméra comme personne. Il parvient à se tirer de situations délicates et à découper son espace filmique, si exigu puisse-t-il être, avec une précision et une efficacité incroyable. Il faut voir à ce sujet la scène des poches de sang déchirées où dix personnages sont debout dans un lieu relativement petit, et où les enjeux et les soupçons sont multiples. Une vraie leçon de cinéma ! Et c’est comme ça du début à la fin. La fin, justement. Un film de Carpenter sans une fin ouverte, pessimiste et/ou désespérée n’est pas véritablement un Carpenter de haute volée. Et avec The Thing, il nous offre l’un de ses plus beaux final, comptant avec Prince des ténèbres et L’antre de la folie parmi les fins les plus sombres et démoniaques vues sur un écran. Normal, me direz-vous, ces trois films font partie intégrante de sa « trilogie de l’apocalypse Â» ! Et comment !!
Angoissant, étrange, paranoïaque, effrayant, cauchemardesque, effarant,… The Thing est un chef d’œuvre du film d’épouvante qui surpasse son modèle d’origine et qui est même parvenu à devenir une référence en la matière, souvent copiée mais jamais égalée. Accessoirement, il s’agit aussi d’un de mes cinq films préférés de toute l’Histoire du Cinéma.

Slasher/USA/1980/1h36
Réalisation: Sean S. Cunningham. Scénario : Victor Miller. Production : Sean S. Cunningham. Musique : Harry Manfredini. Interprètes : Betsy Palmer, Adrienne King, Harry Crosby, Kevin Bacon, Laurie Bartram,...

Sorti juste après Halloween, Vendredi 13 est clairement un projet opportuniste qui n’a pas cherché une seconde l’originalité. Cependant, cela ne l’a pas empêché de faire un carton et d’engendrer jusqu’ici pas moins de neuf suites ! Ce petit film indépendant est devenu une véritable institution et, quoiqu’on en dise, a marqué tous les amateurs de slashers et d’épouvante de manière indélébile.
Après une fermeture pour cause de tuerie, le camp Crystal Lake est rouvert pour le plus grand bonheur d’une bande de jeunes moniteurs venus s’y installer pour l’été. Mais les meurtres reprennent vite leur cours et l’assassin est bien décidé à ne pas laisser ces jeunes cons batifoler tranquillement dans son lac.
Vendredi 13 exploite donc les codes du slasher et situe son action dans un cadre identique à La baie sanglante de Mario Bava, l’un des films fondateur du genre. L’histoire est carrément anorexique et en plus, c’est du repompage. La réalisation de Cunningham n’a rien de véritablement innovante, les personnages sont de la vulgaire chair à saucisse et les meurtres s’enchaînent lentement devant le regard somnolant du spectateur. Qu’est-ce qui est donc en mesure de nous sortir de la torpeur ? Et bien les meurtres, justement. Bénéficiant de maquillages confectionnés par Tom Savini (qui travaillait là sur son 5^ème film, si je ne m’abuse), ils sont presque le seul grand intérêt du film. On attend dès lors chaque crime avec impatience et l’on jubile devant chacun d’entre eux : double assassinat au couteau, égorgement, perforation de la gorge, hache dans la gueule, flèches plantées dans le corps ou encore décapitation, tous sont exécutés avec une habilité et un talent véritable. Du grand art ! Sans Tom Savini, Vendredi 13 aurait bien peu de saveur. Heureusement tout de même, il y a un deuxième grand point positif au long métrage : sa musique. Composée par Harry Manfredini (qui a également signé les scores de House et de Wishmaster), elle est devenue culte et s’avère terriblement obsédante durant la vision du film. « Tchi tchi tchi tchi tchi…Ah ah ah ah ah… Â», en réalité il s’agit de la phrase prononcée par Betsy Palmer dans le film : Â« Kill her, mammy, kill her Â» dont le musicien a repris le « Ki Â» de Kill et le « ma Â» de mammy. Passées dans les machines, ces deux syllabes résonneront effroyablement pour former le thème que l’on connaît tous aujourd’hui.


Mais j’en entends déjà qui s’indignent. « Quoi, c’est tout ?! Des maquillages sanglants du plus bel effet et une musique devenue culte, c’est tout ce qu’il y a retenir de Vendredi 13 ?! Â» Et bien pour moi, oui. « Mais hé ! Et Jason alors ?? Â» Et alors petit sacripant ?! Tu oublies que Jason ne commence à tuer que dans le deuxième épisode. Soit tu n’as ni vu le film dont je te parle soit tu essaies de me tester comme ce blagueur d’encapuchonné qui se ballade dans Scream ! C’est bien sûr la môman du petit Jason qui agit ici et le fils n’apparaît que dans des flash-back où on le voit se noyer ainsi que dans un final bondissant. Son heure de gloire éclate à partir du second volet et il devient une véritable icône en arborant pour la première fois son fameux masque de hockey dans le troisième épisode. C’est à partir de là que Jason Voorhees devient culte. Et s’il a été interprété par pas moins de 7 comédiens différents, c’est bien l’impressionnant Kane Hodder (Prison, Leatherface, Wishmaster,…) qui campe le meilleur tueur de Crystal Lake qu’on ai pu voir jusqu’à présent. Depuis le numéro 7, il est Jason Voorhees et franchement, il est désormais difficile de voir quelqu’un d’autre s’accoutumer le rôle. A noter qu’une préquelle (ben tiens !) était tout un temps annoncée avec ce couillon de Michael Bay aux commandes... Que Dieu ait pitié de nous !
Très loin d’être un chef d’œuvre, le premier Vendredi 13 reste néanmoins un film culte et très réputé dans le milieu horrifique. Il a lancé une interminable franchise et, au fil des films, a attiré de plus en plus d’amateurs grâce à son inénarrable tueur au masque de hockey. Jason, les bains de minuit, le camp Crystal Lake, la machette en travers de la tronche,… si ça ne vous dit absolument rien, c’est que vous débarquez d’une autre planète !

Fantastique/USA/2004/2h07
Réalisation : Sam Raimi. Scénario : Alfred Gough, Miles Millar, Michael Chabon et Alvin Sargent d’après le comic book créé par Stan Lee et Steve Ditko. Production : Laura Ziskin, Avi Arad. Musique : Danny Elfman. Interprètes : Tobey Maguire, Kirsten Dunst, Alfred Molina, James Franco,  Rosemary Harris, J.K. Simons,...

Attention! si vous n’avez jamais vus aucun spider-man et que vous désirez vous y mettre, il est fortement déconseillé de lire ce qui suit sous peine d’être victime de spoilers impitoyables. vous voilà prévenus !
Suite des aventures du type qui n’arrête pas de tisser. Cette fois, Spidey se tâte, jette l’éponge, avoue ses actes, remet le costume moulant, affronte le Doc Ock et montre même sa véritable trombine. Intenables, ces super héros !
Entre la vie de super héros et la vie estudiantine, le cÅ“ur de Peter Parker balance. Surtout que son identité masquée l’a irrémédiablement écarté de celle qu’il aime, Mary Jane, partie jouer les comédiennes en ville et maintenant sur le point de se marier à un autre homme. Par ailleurs, son amitié avec Harry Osborn, qui maudit Spider-Man depuis la mort de son père, est de plus en plus menacée. Bref, rien ne va plus pour Peter qui se remet en question et jette même le costume de l’araignée aux poubelles. Mais c’est sans compter sur un nouvel ennemi faisant son apparition : le dangereux Dr Otto Octavius, un scientifique qui est malheureusement passé sous l’emprise de sa propre création.
Spider-Man 2 est un peu ce qu’Evil Dead 2 était à Evil Dead, c'est-à-dire une espèce de suite/remake. Suite car on assiste évidemment et logiquement à l’évolution des différents personnages et remake car le réalisateur s’amuse à reprendre certains éléments et scènes du premier film qu’il modifie quelque peu (dialogues entre MJ et Peter, entre tante May et Peter, le building en feu, la naissance du méchant,…). Après un générique du plus bel effet nous rappelant les moments clés du film précédent, on retrouve donc Peter qui tente ici de concilier vie normale et combat contre le crime. Et le moindre que l’on puisse dire, c’est que l’acceptation définitive ne se fera pas sans souffrance. Ce qui est génial ici, c’est toute cette remise en question radicale tenant, une fois de plus, du jamais vu dans un film de super héros. Mais l’ami Parker ne restera pas longtemps Peter et après maintes réflexions, il enfile à nouveau le costume de Spider-Man pour enfin assumer pleinement sa double identité. Une superbe renaissance, en quelque sorte. Comme précédemment, on a toujours la présence d’une grande menace incarnée ici par le Dr Octopus, un bad guy qui n’a plus rien à perdre et qui veut à tout prix achever ses expérimentations, aussi dangereuses soient-elles. Ici, rien à redire sur le look du Doc qui fait cette fois l’unanimité et qui est en plus impeccablement interprété par Alfred Molina (La Mutante, Frida). Mais ce personnage, malgré la menace importante qu’il incarne, n’est pas le véritable ennemi de cet épisode. Son adversaire est en réalité Harry Osborn, qui charge le docteur de capturer l’araignée afin d’obtenir sa vengeance (vous savez, la mort de son père, tout ça…). La surprise sera de taille lorsqu’il découvrira qui se cache derrière le masque ! Entre Harry et Peter, plus rien ne sera comme avant. La véritable identité du tisseur met en péril son amitié envers son meilleur pote mais par contre, elle favorise au final sa liaison avec MJ qui, à la fin du film, lui tombe littéralement dans les bras. Bref, c’est pas parce que Spider-Man 2 est une suite de blockbuster bourrée de thunes que le contenu se résume à une suite de scènes d’action remplies d’effets spéciaux (au demeurant fabuleuses). Loin de là. L’équilibre parfait est toujours obtenu et ce, même lorsqu’une bonne dose d’humour et de folie est injectée dans le métrage (je jubile toujours autant lors de la scène du réveil du Doc Ock !). Si on a aimé le premier, il n’y a aucune raison de ne pas apprécier celui-ci. Merci infiniment, Mr Raimi ! Vous êtes trop bon !
Réaliser un chef d’œuvre absolu du film de super héros était déjà quelque chose de stupéfiant mais alors, réaliser une suite qui en est à la hauteur (voire meilleure sur certains aspects), ça tient carrément du miracle ! Sam Raimi n’est pas un génie, c’est un Dieu !

Avant d’entamer le BIFFF, je vous propose un petit flash-back sur certains films d’épouvante de la Hammer. Loin de moi l’idée de faire ici un hommage exhaustif au célèbre et flamboyant studio britannique. N’ayant pas vu le ¼ de ces films (que de films merveilleux à découvrir encore !), je me contenterai simplement de partager la joie ressentie lors des projections sur grand écran de quatre de leurs grands classiques. Le monstre accompagné de ses potes Les monstres de l’espace attendent Le retour de Frankenstein dans Le cauchemar de Dracula.

Le Monstre (Quatermass Xperiment)

Science-fiction/Epouvante/G-B/1955/1h22
Réalisation: Val Guest. Scénario : Richard Landau, Val Guest et Nigel Kneale. Production : Anthony Hinds. Musique : James Bernard. Interprètes : Brian Donlevy, Jack Warner, Margia Dean, Richard Wordworth, David King-Wood,...

A la suite d’une exploration, l’équipage d’un vaisseau spatial succombe à une force mystérieuse. Un seul survivant en réchappe mais ce dernier subit d’étranges mutations sur le corps, le transformant peu à peu en une créature difforme. Le professeur Quatermass se charge alors de comprendre le mal dont souffre l’homme et tente de stopper la pagaille qu’il est en train de provoquer dans tout Londres.
Cette adaptation d’une série télé diffusée par la BBC en 1953 est le film qui définira le style Hammer. Figure tragique, monstre stylé, identité musicale forte (James Bernard  fait ici ses débuts pour le studio et enchaînera avec pas moins de 23 partitions), Le Monstre est un des ancêtres des tous ces films de SF que nous apprécions, à savoir : The Thing, The Blob ou encore Hidden. Un film obscur, désespéré mais aussi incroyablement beau dans son habillage noir et blanc resplendissant, que je vous conseille plus que vivement de visionner si vous êtes, comme moi, un fantasticophile patenté.
Le Monstre sera suivi en 1957 de La Marque (Quatermass 2), toujours réalisé par Val Guest (je l’ai pas vu celui-là) ainsi que d’un troisième volet intitulé Les Monstres de l’espace (Quatermass and the Pit) réalisé en 1967 par Roy Ward Baker. Dans ce dernier, un engin est découvert dans un métro de Londres et libère une entité extra-terrestre des plus ravageuses. Tourné en couleur, le film bénéficie de quelques maquillages un peu gores ainsi que d’un final apocalyptique du plus bel effet.

Le Cauchemar de Dracula (Dracula)

Epouvante/G-B/1958/1h22
Réalisation: Terence Fisher. Scénario : Jimmy Sangster d’après l’œuvre de Bram Stoker. Production : Anthony Hinds. Musique : James Bernard. Interprètes : Peter Cushing, Christopher Lee, Michael Gough, Melissa Stribling ,...

Après que le pauvre Jonathan Harker se soit fait vampiriser par une des femelles du comte Dracula, ce dernier s’attaque à sa fiancée Mina ainsi qu’à sa famille. Seul le Dr Van Helsing semble pouvoir protéger la jeune femme et détruire l’abominable suceur de sang.
Le plus réputé des classiques Hammer. Terence Fisher à la réalisation, Jimmy Sangster au scénario (qui dû faire, en raison de restrictions budgétaires, quelques écarts par rapport au bouquin de Stoker), James Bernard toujours à la musique et ces deux monuments que sont les acteurs Peter Cushing et Christopher Lee. L’un est le pragmatique Dr. Van Helsing, l’autre est le bestial (mais néanmoins très glamour) Comte Dracula : le face à face est d’anthologie !  Interprétation magistrale, apparition de la couleur (sang), décors incroyables, sobriété de la mise en scène, modernité du mythe vampirique et final splendide, Le cauchemar de Dracula c’est le charme vénéneux du cinéma d’épouvante dans toute sa splendeur.

Le Retour de Frankenstein (Frankenstein must be destroyed)

Epouvante/G-B/1969/1h38
Réalisation: Terence Fisher. Scénario: Bert Batt et Anthony Nelson Keys. Production : Anthony Nelson Keys. Musique : James Bernard. Interprètes : Peter Cushing, Simon Ward, Veronica Carlson, Thorley Walters, Freddie Jones,...

Le baron Frankenstein poursuit ses macabres expériences et cette fois, avec l’aide de son assistant Karl, il va tenter une dangereuse transplantation de cerveau sur un homme mentalement malade.
Magnifique découverte que ce Frankenstein must be destroyed ! Ce quatrième opus inspiré du mythe créé par Mary Shelley bénéficie d’une approche assez originale par le biais de cette greffe du cerveau orchestrée par le docteur Frankenstein. Ce dernier, impeccablement interprété par Peter Cushing, nous est ici présenté comme l’un des êtres les plus immoraux qui puisse exister. Assassinat, viol ou trahison, pour lui tous les moyens sont bons pour arriver à ses fins. Quant à la créature, elle incarne ici plus que jamais cette figure dramatique, notamment au travers de scènes atteignant une beauté inédite. Commençant sur les chapeaux de roues par une introduction à la fois glauque et trépidante, le film se termine sur une fin tragique absolument magnifique. En bref et pour faire court : Le retour de Frankenstein est un véritable must!

Drame/France/Italie/1970/1h36
Réalisation: Georges Lautner. Scénario : Pascal Jardin, Georges Lautner et Jack Miller. Production : Robert Dorfmann, Yvon Guézel. Musique : Ian Anderson, Christophe, Clinic, Michel Magne et Bernard Gerard. Interprètes : Mimsy Farmer, Robert Walker Jr, Ed Begley, Rita Hayworth, David Sachs,...

Essentiellement reconnu du public pour ses comédies policières, Georges Lautner a également Å“uvré au service d’un cinéma plus sombre et plus tortueux. Des drames tels que La Maison assassinée et La Route de Salina (mais aussi Mort d’un pourri, polar sans concessions avec Alain Delon) prouvent magnifiquement tout le talent et la facilité d’adaptation de ce cinéaste qui a su se détacher, le temps de quelques films, du carcan humoristique dans lequel il a excellé durant des années. Avec l’histoire de ce beau gosse pris pour un autre et qui va jouer le jeu afin d’obtenir sa pitance ainsi qu’un peu de repos, le réalisateur nous plonge dans un univers psychologique des plus intenses. Ainsi, le personnage principal joué par Robert Walker Jr. (Easy Rider) tombe amoureux (et on ne peut décemment pas le conspuer) de la lumineuse Billie, interprétée par la resplendissante Mimsy Farmer (Quatre mouches de velours gris, Deux hommes dans la ville). Et le moins que le puisse dire, c’est que la liaison passionnée qui va s’ensuivre entre les « amants incestueux Â» laissera de nombreuses traces indélébiles dans leurs âmes. Soutenu par une esthétique à la fois éblouissante et ténébreuse, le metteur en scène signe une Å“uvre unique, tant enivrante que troublante, et qui, lorsqu’elle bascule, nous frappe de plein fouet. Véritable perle cinématographique bien ancrée dans son époque (l’odeur de Woodstock est plus que jamais dans l’air), La Route de Salina est un film trop méconnu qui est à découvrir absolument.